Au coeur du Synchron Stage Vienna : comment sont enregistrées les plus grandes musiques de film

Le bâtiment date des années 1940, époque à laquelle il a été spécialement conçu pour l'enregistrement de musiques de films. Cette vocation initiale a influencé tous les aspects de sa conception, ce qui transparaît particulièrement dans un détail que Bernd a évoqué au début de notre conversation.

« L'ensemble de la conception acoustique a été pensé pour permettre à un orchestre tout entier d'être capter un seul microphone. »

Réfléchissez à ce que cela implique. Une salle capable d’accueillir un orchestre au complet – cordes, cuivres, bois, percussions, parfois un chœur – tout en produisant un son équilibré et cohérent à partir d’un seul point d’enregistrement stéréo ou mono. Pas de graves confus, pas de réflexions stridentes qui s’accumulent dans les hautes fréquences, aucun son qui ne domine les autres.

La géométrie de la salle A joue un rôle majeur dans la réalisation de cet équilibre. Ni les murs ni le plafond ne sont parfaitement parallèles les uns aux autres ou au sol, et ce, de manière intentionnelle. Lorsque deux surfaces parallèles se font face dans une pièce, certaines fréquences s’accumulent, ce que les acousticiens appellent des ondes stationnaires, produisant une réponse inégale où certaines notes résonnent de manière artificielle, tandis que d’autres disparaissent en raison de l’annulation des fréquences. Le fait de rompre cette géométrie parallèle perturbe cette accumulation. « Même les basses fréquences sont bien équilibrées par rapport aux hautes fréquences », explique Bernd, « ce qui permet d’obtenir un son agréable et diffus, sans que rien ne soit masqué. »

C'est une idée d'une simplicité apparente. Mais dans la pratique, sa mise en œuvre nécessite une conception acoustique très précise, et le résultat est une salle à l'acoustique exceptionnelle, utilisée activement depuis plus de 80 ans pour l'enregistrement de musiques de films.

Avant même qu'un orchestre ne joue la moindre note dans le studio A, un travail colossal a déjà été accompli pour préparer la journée d'enregistrement.

Écrire et orchestrer une musique de film peut prendre un an ou deux, m'a expliqué Bernd, « selon le projet ». De nombreux compositeurs travaillent au piano, esquissant des idées harmoniques et mélodiques, puis transmettent leurs idées à un orchestrateur. Le travail de l’orchestrateur consiste à prendre ces esquisses et à attribuer chaque idée mélodique à un instrument et à une section spécifiques : ce que jouent les violons, ce que jouent les trompettes, à quel moment les bois entrent en jeu. Le résultat est un ensemble complet de partitions pour chaque musicien de l'orchestre, afin que tout le monde soit prêt pour la session d'enregistrement.

Lorsque cette musique arrive au Synchron Stage Vienna, les préparatifs techniques commencent. « Nous recevons toute la musique », explique Bernd : les partitions pour les musiciens, les partitions d’orchestre et la session Pro Tools fournie par l’ingénieur du son chargé de la partition. Avant le jour de l’enregistrement, l’équipe de Bernd travaille avec l’ingénieur du son chargé de la partition sur le plan de la session : la disposition de la salle, l’emplacement des microphones, et la nécessité éventuelle d’ajuster certaines positions pour un projet spécifique.

Puis les musiciens arrivent. Ce qui se passe ensuite m’a surpris la première fois que Bernd me l’a décrit. « Parfois, ils reçoivent la partition seulement une heure avant, ou ils ne la découvrent qu’en entrant dans la salle. » Ils s’assoient, font un rapide test de micro, puis enregistrent la musique qu’ils lisent pour la première fois.

La plupart des sessions comprennent également une piste de clic que les musiciens entendent dans leurs casques. C'est important car la composition de musique de film exige que la musique coïncide avec des moments précis de l'image : un changement de scène, une réplique, un point culminant, etc. Le timecode synchronise la musique enregistrée avec le montage, et la piste de clic permet aux musiciens de suivre des repères précis qui correspondent au timecode. 

J'ai demandé à Bernd quel était son moment préféré au cours d'une journée d'enregistrement : « Je pense que c'est toujours la première prise – parce qu'immédiatement après la première prise, on reste assis là et on se dit : “Oh, ça sonne super bien, ça va être une journée facile et agréable pour tout le monde.” Je pense que c'est le moment le plus important pour moi. »

« Quel micro placer sur quel instrument : c'est le choix le plus important que vous ayez à faire en matière de son. »

Bernd a dit cela alors que nous nous trouvions dans la salle A, en train d'observer les microphones disposés tout autour de la pièce. Quand on a des musiciens talentueux dans une salle à l'acoustique exceptionnelle, la prochaine variable évidente à prendre en compte, ce sont les microphones qui les captent.

Une installation orchestrale complète au Synchron Stage Vienna fait appel à plusieurs couches de microphones, chacune remplissant une fonction distincte pour restituer l'ensemble du son.

Au-dessus du pupitre du chef d'orchestre est suspendu l'arbre DECA, le système de microphones de la salle principale du Synchron Stage Vienna, qui constitue la base de tous les enregistrements d'orchestre réalisés dans la salle A.

De part et d'autre du système principal se trouvent les micros « outrigger » (appoints extérieur) et c'est là que LEWITT entre en jeu.

Bernd utilise deux LEWITT LCT 1040 comme microphones d'appoint dans la salle A. « Juste pour obtenir un son d'orchestre encore plus large », m'a-t-il expliqué. Placés de part et d'autre du réseau principal, ces microphones d'appoint élargissent l'image stéréo au-delà des contours de l'orchestre, capturant ainsi toute sa largeur à travers la salle.

Au-delà des bras d'extension, placés près du plafond à environ sept mètres, se trouvent les bras d'extension hauts. Ceux-ci sont placés en hauteur de manière délibérée : à cette hauteur et à cette distance de l'orchestre, ils captent davantage la salle elle-même, l'ambiance, la décroissance sonore et la sensation d'espace qui donnent à un enregistrement orchestral de grande envergure l'impression d'avoir été réalisé dans une grande salle.

Pour une installation répartie dans une salle aussi vaste, la possibilité de régler un micro depuis la position de mixage sans avoir à envoyer quelqu’un à l’autre bout de la salle revêt une importance pratique. La télécommande du LCT 1040 se détache du bloc d’alimentation et peut être connectée via un câble XLR standard à 3 broches, ce qui permet à Bernd d’ajuster avec précision la directivité depuis le « sweet spot », une fois les micros en place.

L'enregistrement orchestral présente un défi technique particulier qui ne se pose pas dans la plupart des autres contextes d'enregistrement : la capture de détails extrêmement subtils.

Des cordes jouées en pianissimo. Un instrument à vent solo. Une note isolée qui résonne dans la pièce avant de s'évanouir. Dans ces moments-là, le bruit de fond propre au microphone peut devenir audible. Chaque microphone possède un bruit de fond et, lorsque l'on enregistre une telle amplitude dynamique, cette caractéristique revêt plus d'importance que jamais.

Le LEWITT LCT 540 S a été conçu pour répondre à ce problème. Son bruit propre est de 4 dB(A), une valeur inférieure au seuil de l'audition humaine. Vous n'entendrez pas le bruit propre du microphone, même en poussant le gain du préamplificateur au maximum pour capter les moments les plus discrets.

La première expérience de Bernd avec le LCT 540 S l’a immédiatement marqué. « Je n’avais pas de LEWITT dans mon arsenal », m’a-t-il confié, en évoquant la période précédant son premier essai de ces microphones avec un orchestre. Ce qui s'est passé ensuite l'a surpris. « Avec le 540 et le 1040, j'ai été très surpris de voir à quel point vous étiez performants. Quand je vous ai utilisés pour la première fois avec un orchestre, j'ai été vraiment surpris et je me suis dit : “Waouh, c'est vraiment génial.” »

La plupart des studios d'enregistrement modernes sont réservés par différents labels, producteurs ou musiciens pour chaque projet et ne fournissent généralement pas de musiciens de session. Synchron Stage Vienna fonctionne différemment.

Le studio dispose d’un prestataire qui gère un vivier de 700 à 800 musiciens, ainsi qu’un réseau élargi d’environ 2 000 personnes. Lorsqu’une production doit constituer un orchestre de 100 musiciens dans des délais très courts, ce vivier permet d’y parvenir. Les musiciens qui en font partie sont des spécialistes de la musique de film : des instrumentistes formés pour lire à vue des partitions complexes et les interpréter avec précision dès la première ou la deuxième prise, même s’ils n’ont jamais vu la partition auparavant.

Ce qui rend le Synchron Stage Vienna si particulier, c'est l'étendue des prestations incluses dans une seule réservation. « Vous pouvez appeler et dire que vous avez besoin d'un orchestre de 100 musiciens, et nous nous occupons de tout », explique Bernd. « Nous mettons à votre disposition le chef d'orchestre, l'ingénieur Pro Tools, l'ingénieur du son, l'équipe chargée de la préparation musicale, ainsi que de nombreux instruments. »

Pour les productions aux budgets plus serrés ou aux délais plus courts, le studio propose également une option hybride. Synchron Stage Vienna a échantillonné la quasi-totalité de sa collection d’instruments au sein même du Stage A – ce qui signifie que les compositeurs peuvent combiner des sections enregistrées en direct avec des éléments de bibliothèque capturés dans le même espace acoustique, avec le même caractère. Des cordes réelles enregistrées la semaine dernière peuvent côtoyer des cuivres échantillonnés dans la même salle, enregistrés l’année dernière, et le mélange est cohérent car la salle est identique.

C'est au niveau « Stage A » que s'effectue l'enregistrement, mais sous ces niveaux, vous trouverez une vaste collection d'instruments uniques que vous pourrez utiliser.

Environ 200 percussions

Sous le Stage A se trouve un local de stockage abritant environ 200 percussions différentes. Parmi eux : trois octaves de cloches de vache accordées. « Si vous voulez plus de cloches de vache, n’hésitez pas », m’a dit Bernd. Oui, le studio dispose bel et bien d’une véritable collection de cloches de vache chromatiques. Les compositeurs peuvent consulter la liste complète des instruments sur le site web de Synchron Stage et composer directement à l’aide de versions échantillonnées (enregistrées dans le Stage A) avant le début de la session. Ce qu’ils entendent en préproduction correspond exactement à ce qu’ils obtiendront le jour de l’enregistrement.

Un espace de stockage climatisé pour pianos

Les pianos à queue de concert sont sensibles à la température et à l'humidité : toute variation de ces deux paramètres peut faire dérailler l'accordage en quelques heures. L'espace de stockage des pianos de Synchron Stage Vienna maintient les mêmes conditions climatiques que la scène A et y est relié par un ascenseur. Les pianos sont accordés au rez-de-chaussée, puis placés sur des plateformes à roulettes afin de pouvoir être déplacés sans que personne ne touche directement le corps de l'instrument, avant d'être remontés jusqu'à la scène A sans que l'accordage ne soit perturbé pendant le transport.

L'orgue de cinéma

L’une des découvertes les plus inattendues : un orgue de cinéma, entreposé dans le bâtiment et utilisé occasionnellement dans la salle A. Parmi ses effets sonores, on trouve des noms tels que *Pferdegetrampel* (bruits de sabots de chevaux), saxophone et sonnerie de téléphone. Dans les studios d’enregistrement d’origine, les orgues de cinéma servaient à jouer des notes très graves qui ajoutaient de la profondeur à l’orchestre dans les basses fréquences; à l’époque, il n’existait pas encore de plug-ins VST pour remplir cette fonction. Aujourd’hui, dans les productions modernes, cette tâche est assurée par des instruments logiciels, mais l’orgue reste un élément de l’histoire du studio.

Si vous souhaitez découvrir le rendu sonore d’un mixage au Synchron Stage, notre plug-in Space Replicator vous permet de mixer dans leurs régie via votre casque. Les deux salles de contrôle du Synchron Stage de Vienne ont été capturées et intégrées au plug-in : la « Vienna Synchron Stage Control A », avec son système de grandes écoutes et de monitoring de semi proximité, et la « Vienna Synchron Stage Control B », équipée d’enceintes de semi proximité. Enfilez votre casque et vous vous retrouverez à mixer dans les mêmes salles où ont été diffusées les musiques originales dont vous venez de lire l’histoire.

Q: Où se trouve le Synchron Stage Vienna ?

Le Synchron Stage Vienna se trouve à Vienne, en Autriche. Le complexe occupe un bâtiment spécialement conçu à cet effet, construit à l'origine dans les années 1940 pour l'enregistrement de musiques de films avec des orchestres complets.

Q: Quels musiques de films ont été enregistrées au Synchron Stage Vienna ?

La liste de ses réalisations est longue. Parmi ses projets les plus connus, on peut citer : la bande originale d’"Inferno" (2016) composée par Hans Zimmer, la musique de "The Crown" (Netflix) signée Rupert Gregson-Williams, "Ad Astra" (2019) de Lorne Balfe, la bande originale de "Promising Young Woman" (2020), nominée aux BAFTA, "Klaus" (2019), "Over the Moon" (2020), "Moonfall" (2022) et "American Fiction", parmi tant d’autres. La liste complète est disponible sur la page des projets du Synchron Stage Vienna.

Q: Qu'est-ce que l'arbre DECA ?

Le système d'arbre DECA est le principal système de microphones de salle du Synchron Stage Vienna ; il est installé au-dessus du poste du chef d'orchestre dans la salle A. Il se compose de trois microphones montés sur une barre en T afin de capter une image centrale ainsi que des canaux stéréo gauche et droit. Dans la configuration mise en place par Bernd Mazagg, il est complété par des microphones « outrigger » (appoints extérieur) placés de chaque côté pour obtenir une image orchestrale plus large, ainsi que par des microphones « outrigger » placés en hauteur près du plafond afin d'apporter une ambiance de salle supplémentaire.

Q: Quels microphones LEWITT sont au Synchron Stage Vienna ?

Parmi les microphones utilisés par Bernd Mazagg dans le studio A figurent le LEWITT LCT 1040 (placé en position « Outrigger » pour élargir l'image orchestrale) et le LEWITT LCT 540 S (apprécié pour son bruit propre de 4 dB(A) lors des sessions où il est essentiel de capturer proprement les passages orchestraux les plus subtiles).

Q: Combien de temps faut-il pour enregistrer une musique de film au Synchron Stage Vienna ?

Cela varie considérablement d'un projet à l'autre. Certaines sessions durent trois jours ; d'autres s'inscrivent dans le cadre d'une production qui s'étend sur un an et demi. Le calendrier dépend de l'ampleur de la partition, de la taille de l'ensemble requis et de la complexité de la musique.